El ángel exterminador. Reseña de la película de Luis Buñuel.

Hola a todxs hoy voy a recomendar una de las mejores películas que he visto, El ángel exterminador. esta es una película mexicana de 1962, dirigida por el mexicano Luis Buñuel, un gran cineasta que nos dejó maravillas como Un perro andaluz, Viridiana, Tristana o Los olvidados entre otras muchas. Este cineasta español, padre de las películas de surrealismo, es uno de los mejores directores españoles, si no es el mejor. Fue una pena que debido a la Guerra Civil, tuviera que exiliarse a México donde continuó rodando películas. Más tarde viajaría a Francia, donde grabó películas en dicho idioma y después volvió a España. Entonces estamos ante un director con muchas películas en su filmografía, un director con muy buenas obras que se pueden clasificar por su etapa en España, México y Francia.

Esta película pertenece a su etapa mexicana, de hecho fue la última que rodó allí, a excepción del cortometraje Simón del desierto. Es una película en blanco y negro, bastante bien rodada en cuanto a planos y montaje, de hecho creo que es la que técnicamente es mejor de toda su etapa Mexicana puesto que ya tenía cierta experiencia. Es una película que te hace pensar en la situación de la época, en la burguesía y su comportamiento. En cierto sentido es una película muy reivindicativa y toca varios temas de interés como puede ser la religión. Voy a ir directamente al resumen.

Unos ricos burhueses están celebrando una fiesta en una gran casa con muchos invitados de honor.

Los criados y los cocineros se van de la casa nada más acabar sus tareas del hogar mientras los ricos siguen con la fiesta en un salón de la casa.

 Cuando terminan de comer y hablar se quitan sus chalecos, y se buscan un hueco entre los sofás, pero ninguno de ellos vuelve a su casa, ni siquiera sale del salón. Al día siguiente, al despertar, se plantean el irse a sus casa, pero pasan de la idea, y se ponen a desayunar, con la comida que quedaba en la mesa de la noche anterior.

 Al fin, deciden salir por la puerta, pero algo se lo impide, algo que no es físico, ni visible, no hay nada que tape la puerta, son sus mentes que no les dejan salir a ninguno de ellos. Los días van pasando, la comida y el agua se acaban.

Uno de los ricos enferma y muere, y esto causa la discordia entre ellos. Desde afuera, la situación es igual, nadie se atreve a entrar a la casa a salvarlos, pues hay algo que se lo impide, pero no es nada físico, el único que llega un poco más lejos es un niño, que a medio camino se da la vuelta y sale espantado. Los invitados, se verán obligados a mantener la calma y a ingeniárselas para sobrevivir, hasta que aquello que no les permite salir, finalmente se lo permita.

Es una película muy impactante, Buñuel no repara en mostrar imágenes muy duras del sufrimiento, hambre y desesperación por las que pasan los habitantes de la casa, al mismo tiempo que muestran imágenes muy provocativas y crudas.

Es una película que quien se atreva a verla, le va a ser muy difícil no soltar una carcajada, pues la situación es muy inusual, pues esta gente ni siquiera puede moverse por la casa, sino sólo por el salón, y eso es lo raro y lo que te hace pensar hasta donde puede llegar el ser humano. El final, es bastante impactante y se queda abierto, por lo que desearás seguir viendo esa segunda parte que nunca fue filmada.

Sin duda un peliculon a recordar de este genio del cine. Si la habéis visto u os ha despertado la curiosidad, por favor, dejadme un mensaje. Muchas gracias por leerme y hasta la próxima. Seguid el blog para no perderos las siguientes reseñas.

Reseña de Bohemian Rhapsody. Freddy Mercury y la creación de Queen.

Hola a todxs hoy voy a hablar de una de las películas de las que más he disfrutado en una sala de cine, un éxito tanto de taquilla como de público que será precursora de un nuevo género musical, el de biopics de artistas de música. Hoy analizamos Bohemian Rhapsody.

Esta película protagonizada por Rami Maleck, muestra algunos aspectos de la vida del cantante Freddy Mercury y la creación de una de las bandas más populares de todos los tiempos, Queen. No era de extrañar que la fama que todavía tiene Queen y la peculiar vida y muerte de su vocalista fueran llevadas al cine tarde o temprano y por suerte ha aparecido en el mejor momento y ha triunfado. La dirección del film corre al cargo de Dexter Fletcher, aunque este llegó con la película bastante avanzada, pues antes de Fletcher, el film lo estaba dirigiendo Bryan Singer antes de ser despedido. En cuanto a la preproduccion, hubo bastantes cambios no solo por el director, sino también por el actor que encarnaría al fallecido cantante, se barajó varias posibilidades, entre lo más sonados ha sido el humorista y actor Sacha Baron Cohen.

En cuanto a la película en sí, debemos hablar detenidamente de tres aspectos en concreto. El guión y la adaptación al cine de la historial real, el montaje y el sonido. Tiene otros aspectos positivos, pero los que más destacan son estos que menciono.

En primer lugar, el guión es bastante notable, tiene una gran dificultad de antemano, adaptar la extraña y secreta vida de Freddy Mercury, la cual solo conocía el fallecido y algunas pocas personas de su entorno. Además, el guión consigue contar una gran parte de la vida de Freddy y la creación de Queen, hasta el concierto del Lived Aid. Que la película cuente todos esos años en solo dos horas de metraje, tiene su lado positivo pues logra abarcar muchos años y lo hace bastante bien y dándole tiempo ha meter sus momentos musicales, pero también tiene su lado negativo porque muestra pero no ahonda en temas importantes como es la enfermedad del VIH en Freddy y cómo vive con ella, o su homosexualidad entre otros muchos temas. Entonces como adaptación está bien, pero no te ofrece la información y veracidad que te podría dar un documental. La película muestra más la parte del espectáculo, de hecho está más interesada en mostrar la creación de Queen y su evolución que la propia vida del cantante.

En el aspecto técnico la película es impecable, buenos planos, buena iluminación, la banda sonora suena en los mejores momentos, etc... Pero todo esto es gracias al brutal montaje que tiene el film. Cuando hablaba de que vemos muchos años y momentos del grupo en solo dos horas, es debido al montaje. El montaje lo es todo en esta obra, la forma de mezclar los planos, el sonido y la música y crear momentos memorables es genial. Sobre todo se hace visible en los últimos veinte minutos cuando se recrea casi exactamente parte del concierto del Live Aid, unas de las escenas que más he disfrutado en el cine.

Finalmente, se debe destacar el sonido y los efectos sonoros, todos muy bien cuidados. Las voces en estudio y en el escenario, los ruiditos con los que experimentaban para crear las canciones o el efecto de la lluvia, todo suena perfectamente, lo que le llevó a ganar el premio Oscar a estas categorías.

También se podría hablar de la buena elección del reparto, destacando no solo a Rami Maleck que efectivamente imita muy bien los gestos y voz del cantante, sino también el resto de actores como Joseph Mazzello,  Ben Hardy,  Gwilym Lee,  Lucy Boynton,  Aidan Gillen, Tom Hollander o Mike Myers

En conclusión, estamos ante una película muy cuidada en el aspecto técnico, una película con mucho ritmo y mucha espectacularidad. Sin embargo no es una un film biográfico como tal. Aún así es fascinante cómo han recreado y realizado esta versión de la historia, llena de momentos épicos que pondrá los pelos de punta a cualquier fan y no tan fan de Queen y Freddy Mercury. Por todo ello le doy una nota de 7.5/10. Sin duda un espectáculo cinematográfico que disfruté muchísimo en la sala de cine con un buen equipo de sonido y de la que me gustaría ver una secuela que siguiera mostrando las creaciones de más canciones míticas, sus otras giras y que acabara con la muerte de Freddy. Una gran película de la que incluso había quien salía con lágrimas en los ojos.

Espero que os haya gustado, por favor compartir la entrada a vuestros amigos si os ha gustado, seguidme en el blog para no perderos ninguna reseña, y por supuesto, dejadme en la caja de comentarios vuestras opiniones sobre Bohemian Rhapsody si la habéis visto.

Nosotros (Us, 2019) Reseña y Explicación. La nueva película de terror de Jordan Peele

Hola a todxs hoy voy a hablar de una de las películas de suspenso y toques de terror que mas han dado de que hablar entre los que la han visto. Hoy voy a hablar sobre por qué es buena la película NOSOTROS (US, 2019).

Esta película de terror y suspenso, es el último film de Jordan Peele, uno de los directores noveles actuales que mas éxito ha tenido con su primer film, Déjame salir (2017), un éxito rotundo en las taquillas de estados unidos que le llevo a conseguir de forma injustificada (o al menos así me lo pareció, teniendo en cuenta a las demás candidatas) el Oscar a mejor guión. En esta segunda película del cineasta, la fama de su ópera prima ha llevado a mucha gente al cine que esperaba ver lo que este joven y nuevo director puede aportar, pero sin embargo la gente no ha salido tan contenta de la sala. Hoy analizaré esta película y veremos si esas criticas tan desfavorables son justificadas o todo lo contrario.

En primer lugar hablemos de su punto más débil y por lo que más se ha arremetido contra la película, su guión. El guión es muy sencillo, se trata de una historia que en gran parte es cronológica, pero en cuyo principio se nos muestra la infancia de la protagonista y al final hay algunas escenas de flashbacks que sirven como explicación, por lo demás no tiene más complicación, pero ya no es una película contada con inicio, nudo y desenlace. La historia contada es sencilla, la trama se entiende perfectamente y no tiene más giros nada mas que el giro final que es la explicación final. La película en este sentido es normalita pero efectiva, pues también es muy entretenida y te mantiene enganchado en todo momento, al igual que Dejame salir. Consigue no solo generar tensión, suspense y terror, sino que también añade toques de humor negro y comedia, que para nada estropea el conjunto de la obra. No obstante la complejidad del guión está en la forma de generar suspense y dudas sobre lo que está pasando. Tú como espectador intentas resolver aquel misterio y la verdad es que puedes sacar mil teorías hasta llegar al desenlace. Por otro lado, el guión lo que mejor trabaja a parte del suspense, es la hipertextualidad, es decir, todas la referencias y detalles que a simple vista puede que ni te des cuenta, pero cuando la ves dos o tres veces ya las descubres y ves la importancia que tienen para la trama. (Hablaré de esto más detalladamente en la explicación de la película).

En segundo lugar hablar de la fotografía. La película tiene unos muy buenos planos, tanto en interiores como exteriores y sabe generar tensión gracias a estos, por poner un ejemplo, la escena de la explosión del coche está maravillosamente rodada. Las escenas en la oscuridad están bien iluminadas, como las escenas en el interior de la atracción de feria o en la casa de los protagonistas. Destacar también los planos cenitales y los frontales que utilizan la simetría en muchas de las escenas y están muy bien trabajados. Gracias al montaje se fusionan los planos con una banda sonora llena de temas muy agobiantes.

También se debe destacar las actuaciones que son también punto fuerte de la película, sobre todo la de Lupita Nyong'o. Hay que tener en cuenta que los actores han doblado su actuación, es decir ellos hacen de buenos y de malos, y gracias a su actuación y el montaje, no notamos ni el más mínimo fallo a este respecto.

En cuanto a los puntos negativos, el guión no está perfilado del todo, es una historia entretenida y original pero que no logra sorprender y ser recordada, de hecho la explicación final que se da en el film puede no complacer a todo el mundo. Por lo demás, nada que decir, de hecho es sublime en el aspecto técnico y en su dirección y actuación.

Entonces, antes de pasar a la zona spoilers donde daré una explicación no oficial sobre los cabos sueltos que deja película, daré una nota al conjunto de la obra. Mi nota general para el film sera de un 7/10, pues desde mi punto de vista, el flojo guión de la historia y la lentitud del segundo tercio, no le hace sombra a los demás puntos positivos. Seguiré al tanto de las próximas películas que estrene este joven cineasta Jordan Peele, que sigue demostrando y mejorando sus dotes como director.


Y ahora pasamos a los ¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡spoilers!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!



Explicación de algunos aspectos de la película.



Que la protagonista sea uno de esos dobles, es algo que se ve en la película y ya doy por hecho que se sabe, así que pasemos a algunos aspectos que dejan más dudas.

Los túneles: Ya en el comienzo del film aparece un intertítulo que nos habla sobre los cientos de túneles que existen bajo tierra y aún no han sido descubiertos. La protagonista atravesó uno de esos túneles, creados y posteriormente abandonados por el gobierno, pero podrían haber más por todo el mundo, de modo que lo mismo que ocurre en la película podría pasar en diferentes lugares del mundo y dando opción a generar más secuelas. Además parece que pocas personas se percatan y entran en estos túneles que están en el interior de un pasaje de terror abandonado.

Los conejos: Estos roedores aparecen en el inicio del film y en la escena final, y aunque se da a entender que se usan como alimento de los dobles en los túneles, también han podido ser parte importante del proceso de creación de los dobles.

Hands across América: Este proyecto ideado en 1986, es la primera imagen con la que se inicia la película, muestra este proyecto de una cadena humana ideado para recaudar dinero para las personas pobres de América, pero que fue un fracaso porque no lograron realizar la cadena humana tan larga como querían. Del proyecto lo único que tuvo tiro fueron las camisetas que se vendieron, las que llevan los Doppelgängers en los túneles. Parece que aquel proyecto que los humanos no fueron capaces de conseguir, los dobles si tienen la capacidad de cooperación y de ponerse de acuerdo para lograr una hazaña de este tipo y quien sabe qué más.

Reseña y análisis de Roma (2018). Un canto de amor a la infancia.

Hola a todxs, hoy voy a hablar de unas de las mejores películas del pasado año 2018, una película que ha pesar de ser una obra de autor en blanco y negro, ha logrado posicionarse como una de las películas más aclamadas por la industria cinematográfica. Hoy voy a hablar de Roma de Alfonso Cuarón.

Roma ha sido una película que desde el momento que se anunció estuve deseando de ver ya que soy un gran seguidor de la obra de Cuarón. La película me ha encantado y me parece una de las mejores películas tanto del autor como del año. No obstante hay muchos, sobre todo varias distribuidoras y productoras que han arremetido contra la película por haber sido una producción de Netflix y haber sido nominada en muchos festivales, concursos y premios sin haber sido proyectada en cines, por ello se habilitó algunos pases especiales en cines específicos para calmar las aguas y poder optar a los premios Oscars. Pero eso es otro tema que en un blog dedicado al análisis y reseña de las obras cinematográficas, no tiene importancia. A continuación pasaré a analizar los mejores aspectos y los peores del film.

En primer lugar hablemos de la fotografía. Como ya he dicho, es una película en blanco y negro, algo poco común hoy en día. Muy pocos films son rodados en blanco y negro, sin embargo esto no supone ningún fracaso para el film en taquilla ni en crítica tal y como hemos podido ver con The artist, la española Blancanieves o la reciente Cold War. En esta película el blanco y negro está muy bien cuidado, se nota que fue pensada desde el principio para rodarla así y además le sienta muy bien por ser una película de época en la que el autor muestra sus recuerdos de infancia. En este aspecto tiene mucha importancia la iluminación utilizada. En muchas ocasiones se utiliza luz natural para escenas en la playa o en otros exteriores, pero también se utiliza luz artificial en interiores, iluminando muy bien la escena y no perdiendo los detalles importantes. También utiliza grandes encuadres que permite ver muy bien los paisajes.

Se debe mencionar la gran cantidad de planos que son utilizados, en muchas ocasiones se hacen planos secuencias, muchos de ellos bastante complicados pues se realiza mediante grúas, desplazamientos y barridos de cámara constantemente. Hay uno en concreto en el que se hace referencia a una de las películas del director, Hijos de los hombres, si la has visto sabrás a cual me refiero. No es el primer homenaje que hace al resto de su filmografía, pues también hay un plano con dos astronautas que recuerda a Gravity.

En segundo lugar debemos hablar del espectacular uso y cuidado del sonido durante todo el film, el sonido está en segundo plano durante la mayor parte de la película y nos damos cuenta de su presencia en la escena de la playa, pero si volvemos a ver el film encontraremos que el sonido está presente en toda la película, desde los pasos de la protagonista por la casa, hasta las escenas de guerra.

En tercer lugar, aunque no menos importante, hablar de lo bien ambientada que está la película en aquel barrio de México y cómo la historia toca muchos temas de importancia en segundo plano de la historia principal, temas como el embarazo y el aborto, la guerra y revoluciones por las que pasa el país, el estado de pobreza de la mayor parte de sus habitantes y cómo es la relación entre las clases medias y bajas con las altas. Cuarón demuestra que tiene mucho de lo que hablar más allá de la historia de su infancia.

La película no tiene puntos negativos notables, todo lo que se diga en su contra es debido a una opinión personal de cada autor. Hay quien dice que le parece lenta o que no tiene ritmo. Hay quien no le gusta que sea en blanco y negro e incluso habrá quien no le guste que en la película se muestre la playa. Hacer caso de esas críticas no aporta nada, causan prejuicios que te impiden ver los aspectos positivos de la película, que son muchos más de los que aquí comento. Por ello te animo a que si aún no la has visto, la veas por ti mismo sin escuchar a los demás, incluso sin escucharme a mí y que tomes tus propias decisiones y opiniones, calificando a la película por sí misma y no por tus preferencias. Por ello dejo mis opiniones a un lado y voy a calificar a Roma como obra cinematográfica, le doy un 9/10.

Reseña y Análisis película Dukenque (Dunkirk, 2017)

Hola a todxs hoy voy a hablar de una de las películas bélicas actuales que más han dado que hablar. Vamos a analizar la película Dunkerque del director Christopher Nolan.

Christopher Nolan ha sido desde su primer film (Following, 1998) un director polémico, como la gran mayoría de la oleada de directores nuevos de los 90, como es el caso de Quentin Tarantino. Sus películas tienen esa cualidad que o te gustan o las odias, pero es imposible negar que es un genio y dota a sus películas de calidad técnica y un buen guión, aunque sus films te entretengan o no. Esta película es uno de esos casos y tiene una explicación que descifraré al final.

La película contiene tres elementos que a simple vista se ven y son innegables hasta para el mayor hater del film, tres elementos que ya de por sí la hacen ser una buena película y que pasaré ahora a analizar. El sonido, la fotografía y el montaje.

En primer lugar, pero no más importante, el sonido. Si una película bélica descuida el apartado de sonido y efectos sonoros está perdiendo el 50% de la credibilidad y hace que la gente no llegue a meterse en la historia, por lo que pierde efectividad. Sin embargo el sonido está perfectamente cuidado, de hecho es una delicia disfrutar del sonido del film en una buena sala de cine. Es sensacional sentir cómo pasan las avionetas y explotan las bombas a diferentes distancia hasta llegar cerca de ti. La película es completamente inmersiva y en gran parte es debido al sonido. También se debe hablar, aunque es un aspecto distinto que el sonido, de la banda sonora de Hans Zimmer. La película tiene una banda sonora tan acorde con el tono del film que logra absolutamente meterte de lleno en pleno campo de batalla y te genera la sensación de desesperación, angustia y miedo.

En segundo lugar, la fotografía. La película cuenta con una fotografía espectacular, con grandes planos que te permiten ver lo que está ocurriendo en la línea del mar, el aire y en la tierra, tanto en exteriores como en interiores. Tiene unos planos magníficos incluso dentro de la cabina de un avión de combate. Por otro lado la iluminación de cada escena está acorde con el ambiente que el director ha generado para la película. Además, el trabajo de iluminación es tan bueno que se puede ver todos los detalles que ocurren incluso cuando es de noche o los personajes están en un lugar oscuro.

En tercer lugar, se debe hablar del montaje y de la propia estructura del filme. La película está estructurada de tal manera que nos cuenta tres historias a tiempos distintos, no son paralelas en el tiempo. Las historias están perfectamente distinguidas, la que ocurre en el mar, la que ocurre sobre tierra y la del aire con los aviones. Desde que comienza cada una de las historias, el director añade al comienzo de cada una la información del horario que va a transcurrir hasta unirse las tres historias, pues hay un momento que convergen y se rueda de una manera magistral. Cada historia ocurre en su tiempo y aunque no te enteres de que ninguna ocurre a la vez, disfrutas de la película igualmente. Este modo de estructurar es nuevo en Nolan, aunque en sus películas es habitual que use estructuras que no tienen nada que ver a las de inicio, nudo y desenlace. En cuanto al montaje, no se puede decir nada malo sobre él, el sonido está bien incorporado, los efectos especiales y visuales están perfectos, y todo está bien montado.

Esas eran las características más sobresalientes y que se merecen mayor atención. Sin embargo hay otras que no se han mencionado y que también son interesantes, como el elenco de reparto lleno de actores jóvenes y que no por ello lo hacen mal, como es el caso del cantante Harry Styles que es uno de los protagonistas, o los actores más veteranos como Kenneth Branagh, Cillian Murphy, Mark Rylance y Tom Hardy. Se ha hablado mucho sobre la poca importancia que tienen los actores o que no hay ninguna trama más allá que la de guerra, pero es que eso es lo normal, eso es lo que debería de haber en todas las películas que intenten mostrar una guerra.

La película Dunkerque se centra en un momento específico de la batalla de Dunkerque, simple y llanamente se centra en la guerra, los actores no importan, ni sus familias ni la lucha de poder entre Alemania y Estados Unidos. Dunkerque en definitiva, muestra una guerra y lo hace lo mejor que se puede con la tecnología que hay hoy en día. Parece que la gente, y ahora es cuando resuelvo la cuestión que dejé al principio del texto, se ha acostumbrado a que una película debe de ser como las demás o mejor pero sin ser diferente a las demás. Así que el problema principal de que esta película no hubiera gustado a mucha gente, es porque fue comparada con otras del género (Salvar al soldado Ryan sin ir más lejos), pero esta es muy diferente y se tiene que ver cómo película independiente, igual que si vas a ver Pesadilla en Elm Street y después vas a ver Inside Out. También están los que se hacen una idea en su cabeza de cómo debe ser un film y luego cuando lo ve ya no le gusta el resultado final y cree que lo podría haber hecho mejor, pero eso ya es otro tema también a investigar.


En conclusión digo que es una muy buena película bélica, muy diferente a lo ya visto, pero con una calidad técnica muy muy superior a lo que estamos acostumbrados. Una película que todo amante del género debe ver y revisionar si no quedó muy satisfecho la primera vez. Mi nota final es un 8.5/10.

Reseña: La casa de papel temporada 3. Sin spoilers. La mejor serie española mejora con Netflix

Hola a todxs, hoy voy a hablar de una de las mejores series españolas que he podido ver por televisión, La casa de papel. Esta serie supuso para su distribuidora, Antena 3, una de sus mejores series y de las más vistas para la cadena. La capacidad de contar una historia simple, con muchísima acción, toques románticos y un buen guión, convirtió a la serie en una de las grandes de este País y una digna propuesta para el mercado internacional. Pero si ya la serie era buena con las dos primeras temporadas que estrenó Antena 3, esta tercera que esta financiada, distribuida y apoyada por Netflix, todo lo que se podía decir de la serie consigue duplicarlo. En cuanto me enteré de que Netflix había adquirido los derechos para una tercera temporada, supe que en cuanto a calidad técnica y efectos especiales sería impecable, en lo que he acertado. Donde si podría fallar sería en la trama, sin embargo no ha sido así.

La tercera temporada consta de 8 capítulos, lo que la hace una temporada amena e incluso se hace corta. El hecho de tener tan pocos capítulos ha logrado quitar muchas tramas amorosas que en las temporadas anteriores ralentizaban la serie y aunque eran tramas que eran interesantes, se notaba que se alargaban demasiado. Con esta temporada no ocurre esto, las tramas son las justas y necesarias para que la serie avance, de hecho la serie se centra exclusivamente en la parte importante que nos llevó a ver la serie, el atraco.

Visualmente es espectacular, y no es de extrañar cuando es una producción de Netflix, igual de cuidada que el resto de sus series. El primer capitulo ya demuestra el despliegue visual y de efectos especiales con el que cuenta esta temporada, además de un muy buen montaje, mostrando muchas tramas paralelas. Digamos que esta temporada tiene todo lo que tenía las demás, pero se queda con lo mejor y lo mejora. Hasta la música está perfectamente seleccionada.

En cuanto a los actores, están igual de espectaculares que antes, no han perdido fuerza en su actuación y parece que están más en sintonía con los personajes. Vuelven los personajes que conocemos, se recuerda a los que se fueron y se incorporan personajes nuevos con mucho carácter y que aportan bastante a la serie como es el caso de la actriz Najwa Nimri.

Llegados a este punto debemos pensar si se trata de una buena temporada, la respuesta es sí, en general no tiene fallos apreciables tan sólo algunos detalles que a mí personalmente me han hecho tener nostalgia por las dos primeras temporadas, sobre todo por la forma de narrar la historia. En las dos primeras temporadas todo sucedía a un buen ritmo, te daba tiempo a reaccionar ante las decisiones y movimientos de los policías como de los atacantes e ibas siguiendo muy bien ese juego de ajedrez. Sin embargo en esta tercera todo va tan rápido que hay momentos en los que no te explican cual es el próximo paso que van a dar o por qué hacen una determinada acción y llegas a perderte durante unos instantes. Ese sería el único pero que le puedo poner a esta temporada, además de lo corta que se hace.

Sin duda estoy deseando que salga ya la cuarta temporada que ya ha sido anunciada por Netflix y se encuentra ahora mismo en pleno rodaje. Así que dentro de poco podremos disfrutar del mayor atraco de la historia de España, y quien sabe si nuestro querido grupo de atracadores se atreverán a hacer de las suyas en otros países e incluso quién sabe si accederán a la Casa Blanca en la cuarta temporada al ritmo de Bella Ciao.

El especial del Sábado: Mejores personajes secundarios de películas Disney

Hola a todxs, un Sábado más volvemos a estar reunidos para ver El especial del Sábado. Esta vez haré un repaso por los que son mis secundarios favoritos de Disney. Escogeré 15 personajes de entre una selección muy muy larga, hablaré de ellos y los situaré del que menos me gusta al que más, y al final dejaré un apartado donde haré mención a algunos que por desgracia se han quedado a las puertas del top. Por supuesto, no es más que una lista personal, pues son mis favoritos, pero si crees que me ha faltado alguno muy importante por decir o que a ti te gustaría que estuviera incluido en la lista, déjamelo saber en los comentarios, y de paso me dices que te parecen este tipo de contenidos, pues si te gustan haré más de este estilo.

Antes de comenzar con mi selección debo decir que, cómo cualquier niño, nací viendo películas Disney. En mi época lo que veía eran las antiguas cintas de vhs de las cuales todavía conservo alguna y les tengo tanto cariño que jamás me desprenderé de ellas. No recuerdo la infinidad de veces que he visto El libro de la selva, La Bella y la Bestia o Aladdín, pero las cintas las dejaba peladas. Me he criado viendo Disney y Pixar, soy de los de la generación que las conocía aún como editoras independientes la una de la otra. Con el tiempo me he ido viendo todas esas películas de la lista de clásicos que tiene Disney, hasta completar la lista. Todavía soy de los que va al cine a ver películas Disney, Pixar y otros estudios, y salgo con lagrimones en los ojos. Es un género que me sigue gustando, y creo que con todos los recursos, avances y facilidades de los que dispone el género de la animación hoy en día, lo están sabiendo aprovechar muy bien. No soy de los que opinan que la animación de ahora es mala, creo que es diferente, también se debe tener en cuenta que las nuevas generaciones avanzan muy deprisa, lo quieren tener todo hecho al momento, y hacer que un niño se mantenga sentado y entretenido con lo que está viendo en una sala de cine durante una hora y media, es muy complicado. Aún así hay que llevar a niños al cine, se les debe acostumbrar a que hay un tiempo que es para estar sentado y centrado en una acción durante un rato, y si es viendo una película que contribuya a su educación y conocimiento del mundo, pues mucho mejor. Bueno, me estoy enrollando demasiado, vamos al lío. Estos son mi top 15 personajes secundarios de Disney:

NÚMERO 15: PENA Y PÁNICO (HÉRCULES)

Comenzamos con estos dos diablillos, trabajan para uno de los grandes villanos de Disney, Hades el dios del inframundo. Ellos son los encargados de realizar las labores que le manda Hades. Aunque muchas veces son unos cobardes, siempre intentan hacer lo que se les dice. Además, tienen la capacidad de convertirse en lo que quieran.
Tal y como dice su nombre, cada uno de ellos representa uno de esos sentimientos.



NÚMERO 14: SR. SMEE (PETER PAN)

El señor Smee es el único personaje humano que se encuentra en la lista. Este torpe pirata, es el ayudante del Capitán Garfio. Aunque es muy leal, parece que no está en plenas facultades y más que ayudar lo que hace es entorpecer, sin embargo tiene un gran corazón.
En ningún momento se le ve hacer nada más que servir a su Capitán.
Sin duda, el pirata más entrañable que hemos conocido.




NÚMERO 13:  HEI HEI (VAIANA)

Este simpático gallo demostró hasta que punto podemos reírnos sin necesidad de un diálogo, sólo mímica. La propia tontez del gallo y las situaciones en las que se mete inconscientemente, es todo un divertimento durante toda la película, pues cada vez que aparece nos pone una sonrisa en la cara. ¿Soy el único al que le vuelve loco el gallo Hei Hei?







NÚMERO 12: LOS SIETE ENANITOS (BLANCANIEVES)

Aquí me permito el lujo de elegir no sólo a un personaje, sino a 7. Os hablo de los siete enanitos de Blancanieves, a saber son Gruñón, Tímido, Dormilón, Mudito, Feliz, Sabio y Mocoso. Obviamente su nombre les viene de calle, pues se llaman según la función que tienen y las características que los representan. De todos ellos, nuestro preferido es Mudito, aunque todos son entrañables a su manera.
Estos mineros, son gente muy trabajadora, aunque la limpieza y el aseo personal no es su punto fuerte. Sin duda son los mejores compañeros que pudo encontrar Blancanieves, estando presentes en los momentos buenos y también en los malos. Podéis leer la reseña de la película aquí.








NÚMERO 11: OLAF (FROZEN)

El muñeco de nieve de Frozen, es el favorito de todos los niños y no tan niños que vieron la película. Este simpático muñeco antropomórfico creado con la magia de la reina Elsa, adora el verano, lo cual crea un conflicto en el personaje. En una lista de mejores personajes, no podía faltar el muñeco de nieve que más encanta a los niños. Hice una entrada en especial para la película completa de Frozen, podéis acceder pinchando en este enlace aquí.




NÚMERO 10: MÁXIMUS (ENREDADOS)

El caballo de Flynn entra en el top por ser un personaje divertido y simpático sin llegar ha hacerse pesado en ningún momento y sin ser un personaje ridículo que haga payasadas. Es un caballo militar, que no duda en perseguir a los malos, incluso si entre ellos está incluido Flynn. Es leal, constante y algo celoso. Uno de los mejores personajes que ha creado Disney.




NÚMERO 9: CAMPANILLA (PETER PAN)
En el puesto número 9, volvemos otra vez a Peter Pan, pues hay que hablar de Campanilla, el personaje que nos hizo creer en las hadas. Un personaje que no es tan simpático como recordamos, es un hada muy celosa, hasta el punto que su ira la lleva a delatar a Peter Pan. Sin embargo, es el único personaje que puede hacernos volar hacia Nunca Jamás con polvos de hada.


NÚMERO 8: PEPITO GRILLO (PINOCHO)

Pepito grillo tiene un lugar tan alto en la lista por se la consciencia de Pinocho, y que hay más importante para uno mismo que la consciencia, que te enseña a distinguir el bien del mal, y apartarte de la tentación.
Además de todo lo dicho, es el compañero de fatigas de Pinocho, acompañandolo hasta el fondo del mar. Un compañero inseparable que demuestra que pasarlo bien y ser consciente de lo que se hace, puede estar unido de la mano. Podéis leer la reseña de la película completa aquí.


NÚMERO 7: CHIP (LA BELLA Y LA BESTIA)

La Bella y la Bestia tiene un montón de personajes donde elegir, pero de entre todos ellos, me quedo con esta valiente Taza, que logró salvar a Bella de su celda, provocando que el final acabara bien. Esta simpática taza de té, descubre al igual que nosotros que es así por un antiguo hechizo, y que la magia se romperá con el primer beso de amor verdadero. Podéis leer la reseña de la película completa aquí.




NÚMERO 6: EL CANGREJO SEBASTIÁN (LA SIRENITA)

En la película de la sirenita, aparece el pez llamado Flanders que es el amigo inseparable de la sienita, sin embargo no tiene tanta gracia como el cangrejo Sebastián con su acento cubano, capaz de poner a todos los animales marino a cantar y tocar instrumentos al ritmo de "Bajo el mar". El protagonista absoluto de una de las mejores canciones Disney no podía faltar en esta lista.


NÚMERO 5: BAYMAX (BIG HERO 6)

¿A quién no le gustaría tener un robot capaz de volar, luchar y curarte las heridas? El robot Baymax tiene de todo y lo más importante, está muy blandito y quiere ser tu amigo.







NÚMERO 4: MOSHU (MULÁN)

Este dragón reptiliano es el fiel seguidor y protector de Mulán. En un pasado fue el Guardián de los espíritus de la familia de Mulán, sin embargo ahora se encarga de mover el incienso. Un leal amigo, valiente, con buen corazón y capaz de arriesgar su vida por Mulán. Todo esto no quita que el personaje tenga sus momentos cómicos. Me quedo con su frase de: "Deshonra sobre ti, deshonra sobre tu vaca"


NÚMERO 3: TIMÓN Y PUMBA (EL REY LEÓN)

A estos dos inseparables amigos no se les puede dividir ni para el top, por ello entran en el top 3 pisando fuerte. Estos personajes son en verdad un suricato y un jabalí, animales que nunca se podría pensar que pudieran permanecer juntos ni unos minutos, son inseparables. Su carisma es tal que lograron tener una película propia, El rey León 3, y una serie de televisión. Ambos han creado momentos históricos que siempre recordaremos, además de ser los propulsores del "Hakuna Matata". Podeis acceder al enlace donde hablo de la película aquí.


NÚMERO 2: STITCH (LILO Y STITCH)

Estamos a un puesto del final, y ya tengo clarísimo quienes van a ser los dos mejores personajes secundarios de Disney para mí, por ello no puedo poner más abajo a Stitch, quedándose en segundo lugar. Este extraterrestre cuyo nombre real es: Experimento 626, llega a la Hawai como un arma mortífera que es perseguido, y acaba quedándose allí como mascota de Lilo. Una historia magnífica que nos enseña que Ohana significa familia, y familia estar juntos siempre, aunque seas de otro planeta.


NÚMERO 1: EL GENIO DE LA LÁMPARA (ALADDÍN)

No podría ser menos, que el poderoso genio de la lámpara de Aladdín, se hiciera con el primer puesto gracias a la magia de su ingenio, sus frases, su ayuda y su simpatía. Un genio capaz de conceder tres deseos y romper alguna regla si hace falta para salvar a Aladdín. Nos dejó momentos icónicos, frases brillantes y una enorme sonrisa en nuestra cara cada vez que aparecía. Podéis leer la reseña que hice de la película aquí. 



Por último, os dejo con algunos personajes que se han quedado a las puertas del top: Rafiki y Zazú (Rey León), Lumiere y Ding Dong (La bella y la Bestia), Pegaso (Hércules), Baloo (El libro de la selva) y finalmente Abú y la alfombra mágica (Aladdín).

Y eso es todo. Podéis dejar un comentario diciendo si os gusta este tipo de contenido. También podéis decirme qué personajes hubierais metido en la lista o cual fue el personaje que más quisisteis en vuestra infancia.

Reseña: Érase una vez en... Hollywood (2019) Sin spoilers. La mejor película de Quentin Tarantino, pero no la más perfecta.

 Hola a todxs, hoy voy a hablar de la película que más ganas tenía de ver este año, y uno de los estrenos más destacados del verano. Hoy comentaré de forma resumida y sin spoilers, qué me ha parecido Érase una vez en...Hollywood (2019). (Once upon a time in...Hollywood), la novena película de Quentin Tarantino.

En primer lugar, hablar de su director. Quentin Tarantino lleva ocho películas oficiales en su filmografía, aunque en realidad hay unas cuantas más que ha dirigido, pero que o por su duración, o por pertenecer a una parte compartida con otro director, no ha incluido cómo personales. El caso es que en ninguna de las ocho películas ha repetido temática y género. Erase una vez, sigue cumpliendo esa norma, es totalmente diferente a las demás películas en cuanto al género. Sin embargo, lo bueno que tiene esta película, entre otros aspectos, es que es Tarantino 100%, y digo esto porque todo lo que ocurre en esta película ha pasado por la cabeza del director, habiendo sido pensado hasta el más mínimo detalle. Si digo que es la película más personal del director hasta la fecha, debes creerme, pues aquí está recogida toda su pasión y amor por el cine con todo lujo de detalles y tomándose todo el tiempo necesario para representarla. Tal como ocurre con Dolor y Gloria de Pedro Almodóvar, y a Roma de Alfonso Cuarón, dos películas recientes en las que los directores han volcado toda su vida y memorias, Tarantino nos enseña el cine que le ha hecho llegar hasta donde está ahora, mostrando un profundo respeto a la profesión. El director ha hecho la película que ha querido hacer y cómo la ha querido hacer. Por esa razón, esta idealización o versión que ha hecho de Hollywood, es totalmente diferente a otras representaciones que se han hecho, sin ir más lejos, la película Ave César (2016) de los hermanos Coen, es muy distinta a esta, y menos mal que ha sido así. Lo curioso es que lejos de hacer una película fantástica en la que ocurran muchas cosas ficticias que llamen nuestra atención, el director se ha decantado por hacer una película "realista", dentro de lo que cabe, con historias que han ocurrido y podrían ocurrir en la realidad.

Tarantino logra transportarnos a ese Hollywood lleno de estrellas y fama, donde los actores pasan momentos buenos y malos, con sus fiestas y sus derrotas. Durante todo el film, sientes que estas allí, pues hasta el más mínimo detalle nos lleva a esos años 60 y principios de los 70. Los coches, el vestuario, la música, todo está perfectamente pensado para introducirnos de lleno en la película. Técnicamente es impecable, de hecho es de las más perfectas del director en este sentido, los movimientos de cámara son asombrosos, logrando captar todo lo que importa, a veces con planos de larga duración. Todas las escenas se ven perfectas, con una iluminación y un enfoque muy cuidado, incluso las escenas en el interior de los coches son una pasada. El montaje también es bastante bueno, combinando en la mayor parte de la película, tres historias que ocurren paralelas, y en ningún momento sientes que te pierdes o no entiendes lo que está ocurriendo. Además, tal y como ocurre en Kill Bill, se combina la historia de los personajes, con escenas de películas que han rodado los protagonistas, estas escenas tienen diferentes estilos y se muestran de varias maneras, en cines, por televisión, flashbacks o imaginaciones de los propios personajes.

Otro aspecto a favor, es el gran elenco con el que cuenta la película. Leonardo DiCaprio está espectacular, demuestra todo el abanico de personajes que puede llegar a representar, sin duda demuestra que es de los mejores actores con los que cuenta el cine actual. Sin llegar a superarlo e incluso igualarlo, Brad Pitt juega en otra línea, el actor demuestra que lo suyo es el cine de acción, aunque un papel dramático de vez en cuando, le puede sentar bien. Margot Robbie hace un papel pequeño, está presente en toda la película, pero sus escenas están repartidas en todo el montaje, sin duda es una de las actrices que debemos tener en cuenta y seguirle la pista. En cuanto al resto de actores, aparecen en cameos o papeles pequeños, ese es el caso de Al Pacino,  Margaret Qualley, Emile Hirsch,  Kurt Russell,  Bruce Dern,  Timothy Olyphant,  Damian Lewis, Luke Perry,  Dakota Fanning,  Michael Madsen y Zoë Bell, entre otros muchos. Se puede decir que todos ellos están muy bien metidos en la historia y a pesar de no tener mucha relevancia, se hacen notar.

Todo esto demuestra que la película es técnicamente impecable, y nadie que haya visto el film puede negarlo. Sin embargo hay algo en este noveno film de Quentin Tarantino que o no llega a funcionar como esperaba, o simplemente es percepción de un espectador. Ese aspecto negativo, y el único que le puedo poner a la película, es el guión. Hablar de guión es muy amplio, y no todo el guión es malo o no todo falla en el film. Por ejemplo, los diálogos son muy buenos. Sin embargo hay algo que no me ha gustado, y es que hay muchas partes de la película que llegan a aburrir, no es que se vean innecesarias, sino que ocurre todo muy lento y a veces solo sirve para darte algún dato que después no va a tener importancia. Hay una gran diferencia entre las escenas relacionadas con la familia Manson y sus seguidores, y la que sigue a los protagonistas, la primera interesa y entretiene, mientras que con la otra, intentas que te interese pero no te entretiene. La película tiene un exceso de duración y esto provoca que muchas escenas se vean alargadas hasta que pierdes el interés, algo que no me había pasado jamás con Tarantino, ni siquiera con Jackie Brown. También hay una estructura un tanto rara, pues te cuenta lo que ocurre seis meses antes y seis meses después, sintiendo que lo que se había contado en la primera parte se podría haber juntado con la segunda sin ser necesario un corte temporal.

La película no es perfecta, y todo es debido, en mi opinión, al guión. Pero teniendo en cuenta el apartado técnico, la película en general es buena y no va a suponer ningún fracaso para el director. Un fallo lo puede tener cualquiera, incluso Tarantino con el guión, y eso es lo que se le puede achacar a este film.

Recapitulando, es una buena película, no es perfecta y no es mi película de Tarantino favorita, aunque puede ser una de sus mejores películas debido a los aspectos técnicos. Es una película que el fan de Tarantino le puede gustar mucho, como es mi caso, pero que a quienes vayan a ver una película para entretenerse, ésta no es una buena opción y seguramente salgan de la sala. Como ya dije en el especial de Tarantino, hubo gente que se fue de la sala en Los odiosos ocho, y puede haber quien no soporte este film y se vaya, cosa que no ha ocurrido en mi sala esta vez, pero para quien le pase, le invito a volver a entrar en la sala cuando quede media hora, pues es ahí cuando Tarantino hace de las suyas con una espectacular escena. Sin duda es una película que compraré en blu-ray para añadirla a la colección y volverla a ver para descubrir todos lo homenajes que incluye en el film y que de un solo visionado es imposible ver todos. Si tuviera que darle una nota, le daría un 7/10.

Y ahora es cuando, habiendo llegado hasta el final de la reseña, quiero conocer tu opinión o impresión si la has visto y saber en qué posición la situarías dentro de su filmografía. Nos vemos el sábado con un nuevo especial.

Reseña: Shazam! (2019) Sin Spoilers. ¿Está la nueva película DC a la altura del resto del género de superheroes?

Hola a todxs, hoy voy a hablar de una película que recientemente salió en el cine, y aprovechando que ahora ha salido para todas las plataformas físicas y digitales, he vuelto a ver y me ha parecido muy interesante para hacer una reseña sobre ella. Os hablo de SHAZAM!, la última película de DC, que demuestra su interés por tratar nuevos géneros con cada uno de sus films. En este caso se atreve con una "comedia", aunque muy entrecomillado porque es complicado asignarle un género en concreto, es alegre, simpática y muy colorida, así que la comedia sería el tono que más se le acerca, además de mucha fantasía. De su dirección se encarga David F. Sandberg, un director que proviene del género de terror, con películas como Nunca apagues la luz (2016) o Anabelle: Creation (2017). Si no nos enteramos que este director ha hecho películas de terror antes de Shazam!, jamás nos lo hubiéramos imaginado, y es que en la película a pesar de tener algunos elementos oscuros que no están en la narrativa ni en la temática, sí se representan en el villano (Mark Strong) y los diferentes monstruos que le acompañan.

La película tiene un tono fresco y divertido, es una película muy entretenida con la que es difícil que te aburras incluso si no te gustan las películas de superheroes, pues hay que tener en cuenta que esa es la liga en la que juega. Es una película de superheroes, y dentro del género logra tener una buena posición, aunque se nota la diferencia con sus compañeras. En muchos sentidos es una película menor, los efectos especiales son correctos, las peleas no decepcionan y consigues en algunos momentos ponerte en la piel del protagonista, pero se nota que no llega a la altura de otras propuestas dentro de DC, y ni hablar siquiera de llegar a la altura de la mayoría de las producciones de la competencia.

Por otro lado, noto mucha falta de originalidad, todas las propuestas de la película recuerdan a otros films, a veces la copia es clara y otras veces se le da una vuelta de tuerca e intenta hacer algo diferente, pero predomina lo primero. De todos modos, tiene un acierto, acepta que la idea es muy parecida (por no decir copiada) y lo utiliza para hacer una referencia y generar humor para el que esté atento, este es el caso del enorme piano en el suelo del supermercado, haciendo referencia a la película Big, cuya temática es igual y si la has visto, seguro que la tenías en mente cuando veías Shazam!. De igual manera se hace referencia directa e indirecta a películas del propio universo DC, películas de Warner e incluso referencias a otras películas como Rocky, demostrando que forma parte del universo creado e implica al espectador que conoce estas referencias. Una buena iniciativa, aunque nada original, pues ya se hacía en otras producciones y estudios (Marvel o Pixar).

Técnicamente se hace un correcto uso del sonido y de los movimientos de cámara, algo normal en este tipo de películas, y es curioso cómo se utiliza la cámara con distintos enfoques y desde diferentes puntos de vista, teniendo muy en cuenta las nuevas tecnologías y cómo estas podrían implicarse si existieran los superheroes. En cuanto a la estructura y al montaje, no hay mucho que decir, es interesante cómo presentan simultáneamente al protagonista y al villano, así como la manera de presentarnos sus poderes. Utiliza, tal y como ocurría en las primeras películas de marvel allá por el 2008, canciones "marchosas y placenteras" para el oído, en este caso de Eminem y Queen entre otras, con la intención de causar impresión y espectacularidad sobre todo cuando el protagonista va descubriendo sus poderes.

A pesar de ser una película de bajo presupuesto con respecto a las millonadas que reciben otras producciones del estilo, Shazam! no tiene excusa para utilizar efectos especiales a diestro y siniestro sin que le sea un impedimento. En la mayoría de escenas, el uso de estos efectos está bien utilizado y queda muy bien, salvo con los monstruos, seres totalmente digitales aunque interesantes para la trama, en los que no se han esmerado demasiado en hacerlos creíbles, algo común en las películas DC sin llegar a ser los engendros negros y sin forma de Suicide Squad. Una pena que no estén muy logrados, pues el tiempo pasará por ellos como le pasaría a los monos de Jumanji.

En cuanto al guión, es flojito incluso para lo que hay dentro del género de superheroes, pero en cuanto a la historia principal, creo que está bien llevada y condensa toda la información teniendo en cuenta que es una presentación de personaje. Tiene un indicio con unas buenas presentaciones y en todo momento entiendes la historia, el desarrollo es bueno y el desenlace no tiene ninguna pega y es bastante entretenido a pesar de que se nota algo extendido. Tiene escenas y gags divertidos, las situaciones son interesantes y te mantiene con una sonrisa en la cara. Pero no todo es positivo, tiene algunas pegas en determinados detalles del guión que la hacen una película "normalita" además de lo antes mencionado. El principal y mayor problema lo tengo con que no se corresponde la actitud del protagonista cuando es niño (Asher Angel) con cuando es adulto (Zachary Levi), y esto ocurre durante toda la película, el niño tiene muy pocos diálogos, la mayor parte del tiempo opta por una actitud distante y mantenerse callado observando la situación, mientras que en su versión de adulto es un tremendo bocazas, incluso más impertinente que su amigo.
De igual modo, el guión tiene, a mi parecer, un enorme fallo en una de las tramas. Se le da mucha importancia a la trama de Billy en busca de su madre. Cuando estás metido en la película y ya apenas te acuerdas del flashback del comienzo, se produce un deus ex machina tremendo y sin razón por el que se mete esta trama con calzador, una trama que ni se resuelve adecuadamente, ni produce ningún efecto posterior para el protagonista.

Llegados a este punto debemos aclarar una cosa, ¿Es una mala película?, No, para nada, aunque tampoco es una buena película. Es una película correcta en general, capaz de entretener y sacarte alguna risa. Quizás lo que moleste más sea el que a veces parece que está rozando lo infantil o que está hecha para un público más joven, lo que no concuerda con el tono de ninguna de sus anteriores películas.

Con todo esto, si tuviera que darle una puntuación general, le daría un 5.5/10. No está suspensa, pero no llega a un producto bien terminado, pues tiene aspectos que se podían haber mejorado fácilmente, y hay muchas películas superheróicas que tanto en la técnica como en la narrativa, consiguen un producto mucho más interesante y destacable.

Ahora llega vuestro turno, decidme que os ha parecido, me gustaría saber si os ha gustado y en que lugar la pondríais dentro de las películas de DC o dentro del género. Un fuerte abrazo y nos vemos el jueves con otra reseña.

El especial del Sábado: Universo Quentin Tarantino. Repasamos su vida y películas.

Hola a todos, hoy voy a comenzar una nueva sección llamada EL ESPECIAL DEL SÁBADO, en esta sección hablaré largo y tendido sobre un género, director, saga o cualquier otro tema. Tal y como dice el título, todos los sábados habrá un especial.  La finalidad de estos especiales es dar a conocer y recomendar películas que merecen la pena con respecto al tema que se trate, así como dar mi opinión, y lo más importante, conocer la vuestra y mantener un diálogo.

Con motivo del estreno de Érase una vez en... Hollywood (2019), hoy repasaremos la biografía y filmografía de QUENTIN TARANTINO, conoceremos su estilo, sus trabajos y finalmente haré un top con sus 3 mejores películas.

Quentin Tarantino es un director de cine estadounidense, que además de por su labor como cineasta, se le reconoce por escribir sus propios guiones, cargados de violencia y unos diálogos, personajes y situaciones, verdaderamente magistrales. Proveniente de la oleada de directores de los 90 (Christopher Nolan, David Fincher, Paul Thomas Anderson, Alejandro Amenábar), Tarantino sigue dirigiendo películas, siendo de los pocos directores actuales con un estilo propio inconfundible y que técnicamente no decepcionan. Podríamos decir que es junto con Nolan, uno de los directores que sabes que puedes ir al cine a ciegas a ver su última película y no te va a decepcionar.

Entre estos directores destaca una característica común, todos ellos han visto mucho cine, han aprendido de maestros como Ford, Hawks, Welles, Bergman, Kubrick, Hitchcock, etc... Pero Tarantino, además de ver este cine imprescindible, se ha empapado de todos los géneros, incluso géneros raros de los que nunca habrías oído hablar, cine B, gore, japonés, artes marciales, western, son sólo algunos de los géneros que se me ocurren ahora mismo que él ha visto y ha reflejado en sus películas. Adora el cine, pero no solo el buen cine, adora TODO el cine y lo ha hecho parte de su vida. A estas películas accedió gracias a su trabajo en un cine x cuando era joven, y posteriormente en un videoclub, donde en todo momento iba cogiendo ideas. En la actualidad, Tarantino, quien se ha convertido en un cineasta postmoderno, con un estilo propio y consciente de ello, continúa viendo películas y además de continuar con su labor cinematográfica, sigue apoyando los videoclubs y las salas de cine. En general, apoya las antiguas tradiciones cinematográficas, y de hecho veremos cómo en sus últimas películas utiliza las antiguas cámaras y objetivos, como la Ultra Panavisión 70 en Los odiosos ocho (2015).

En total tiene 9 películas propias contando su próxima Érase una vez en... Hollywood, pero en toda su carrera ha hecho alguna película más, como podría ser la película Death Proof  dentro de la colección Grindhouse, o su corto dentro de Four rooms, además de guiones que han sido adaptados por otros directores o varios cameos en algunas películas. A continuación iré desarrollando su filmografía, tanto sus películas propias como aquellas colaboraciones u obras de interés en las que esté relacionado.

En primer lugar, hablar de un pequeño corto que dirigió en 1987 llamado My best friend´s birthday, rodado en 16 mm y que el propio Tarantino reniega de él. Obviamente es parte de Tarantino, pero está muy alejado de su primera película como tal. Este cortometraje de 70 minutos en blanco y negro actualmente no está completo y solo podemos ver 34 minutos, aunque quizás no te merece la pena que la veas, a no ser que sea por completar la filmografía. Lo que sí es interesante, es que este cortometraje tiene detalles e ideas que después desarrollaría en el guión de Amor a quemarropa.

No fue hasta 1992, cuando Tarantino dirige la que sería su primera película y la que comienza a representar de forma clara, el estilo y características del director, RESERVOIR DOGS.
Desde el comienzo se ve claramente el guión tan bien trabajado que tiene, los diálogos geniales que surgen entre los personajes alrededor de la mesa de una cafetería o los momentos tan angustiosos que genera progresivamente. Desde el momento en el que se plantea hacer una pelicula de atracos sin que se vea el atraco, ya está innovando y siendo diferente, y esto lo va confirmando en cada plano.
La película fue financiada por el actor Harvey Keitel tras leer el guión, y dio la oportunidad a Tarantino para dirigir su primera película. Ésta tiene un presupuesto bastante bajo, la mayor parte rodada en una sola localización, en este caso un almacén, una estructura en tiempo real y con un flashback entre medias, con un muy buen elenco de actores entre los que destacan Tim Roth,  Harvey Keitel,  Chris Penn,  Steve Buscemi,  Michael Madsen y el propio Tarantino. Todo esto acompañado de una banda sonora muy bien seleccionada. Si tuviera que quedarme con una escena sería la clase de interpretación que le enseña Randy Brooks a Tim Roth en la azotea. Si quieres leer más sobre esta película visita la entrada que hice dedicada en exclusiva a la película, visita el enlace pulsando aquí.

En 1993, Tony Scott estrena True Romance (Amor a quemarropa), cuyo guión estaba escrito por Tarantino, esta situación se repetiría en 1994 cuando Tarantino escribe el guión de Asesinos natos, aunque esta vez rodada por Oliver Stone. Ambas son películas muy recomendables, aunque prefiero en gran medida la película de Scott, en general recomiendo ver el cine de Scott, mientras que la película de Asesinos natos creo que es algo confusa por la estética y el montaje que tiene. Por otro lado, el guión de True Romance para que está mejor adaptado y se le asemeja más a lo que conocemos de Tarantino.

Y así fue como en 1994 crea su segunda película y la que sería el éxito de su filmografía, o al menos la que la crítica considera que es su mejor película, además de que encabeza la mayoría de listas de mejores películas de la historia. Os hablo de PULP FICTION.
¿Qué se puede decir nuevo de Pulp Fiction que no se haya dicho ya?. Tan solo que si no la has visto, te estás perdiendo una de las mejores películas de la historia, una de las películas con mejor guión y donde Tarantino inserta todo su conocimiento, su estética y su pasión. Asombra ver una y otra vez los diálogos entre personajes, incluso cuando son monólogos. Todo lo que habíamos visto en Reservoir Dogs aumenta, el guión es mejor, la fotografía es mejor, la música es mejor. Todo mejora y suma en esta película. El guión es, como en todas la películas de Tarantino la base de la película, además de por los diálogos, por el modo de contar la historia, y es que tiene una estructura en la que se atreve a contar tres historias diferentes y en diferentes tiempos, es decir, alterando el orden cronológico de las historias, y no por ello causa confusión o te saca de la película. Una película que mezcla muchos géneros diferentes y donde lo importante no es cómo es la historia sino cómo se cuenta. Si tuviera que quedarme con una escena, escogería la de la conversación entre Uma Thurman y John Travolta en el Jack Rabbits Slim´s y su posterior baile. Si queréis leer más sobre la película podéis acceder aquí.

Tras el éxito que supuso Pulp fiction en todos los festivales, Tarantino dirige y escribe un segmento perteneciente a Four rooms, una película de 1995 en la que participan cuatro directores, cada uno dirige su propio segmento y en todos ellos aparecía el divertido personaje del botones del hotel, interpretado por Tim Roth, quien se encuentra con todo tipo de situaciones. Esta película es bastante divertida y recomendable, los cuatro segmentos están bastante bien excepto el de Allison Anders que deja bastante que desear, pero es el primero y luego los demás están muy bien, destacando los de Robert Rodriguez y finalmente el de Tarantino, el cual se basa en una de las historias de Alfred Hitchcock presenta, para escribir un segmento bastante simpático y que da fin a la película. Puedes leer más aquí.

Un año después, en 1997, se une a Robert Rodriguez en Abierto hasta el amanecer, en la que se encarga del guión y forma parte del elenco junto a George Clooney. Sobre esta película, decir que me parece una buena película de vampiros, pero a mi opinión tiene dos partes perfectamente diferenciadas. La primera es completamente Tarantino, una película con un guión muy interesante, una road movie en la que tienes los cinco sentidos puestos en ella y no te quieres despegar de la pantalla. La segunda, es cuando llegan al Titty Twister y parece que Tarantino le deja las riendas a su compañero de juerga Rodriguez y es cuando la película sigue siendo entretenida, pero es muy diferente a lo que nos habían presentado en un principio. La película en general es buena, pero me gustaría haber terminado de ver la primera parte. Más información sobre la película aquí.

Tuvimos que esperar tres años desde Pulp Fiction, hasta que Tarantino estrenó su tercera película, y se trató de JACKIE BROWN. ¿Qué ocurrió con ella?, ¿Por qué no es tan conocida?, ¿Acaso no es buena?. Nada de eso, la película es bastante buena, y soy un fiel defensor de ella. Sigue siendo Tarantino, es una película excelente, pero peca de ser la siguiente película tras el éxito de Pulp Fiction y la gente esperaba algo parecido a lo que ya habían visto. Tarantino sigue innovando y esta vez cambia totalmente de tema y le sigue dando su estilo propio, siendo muy diferente a lo antes visto. La música sigue siendo espectacular, el guión igual, aunque quizás algo más complicado y que requiere de toda nuestra atención, pues es una trama compleja. Los actores están estupendos, sobre todo Pam Grier, la protagonista, una actriz del cine blaxploitation que Tarantino rescata, al igual que hizo con John Travolta y seguiría haciendo posteriormente con Kurt Russell, David Carradine o Christoph Waltz, dándoles papeles que los volvieron a convertir en estrellas.
Es una película que recomiendo especialmente, y creo que se puede redescubrir y merece ser más valorada. Destaco la escena del intercambio de dinero en el supermercado, rodado desde diferentes puntos de vista. Si quieres saber más sobre ella visita el enlace aquí .

El medio fracaso que supuso esta película en su día, hizo que durante varios años Tarantino no rodó ninguna película, y tan solo se encarga de la labor de productor en las dos secuelas de la saga Abierto hasta el amanecer, para nada recomendables. Mientras tanto, estuvo escribiendo el guión de lo que se convertiría en el año 2004 en Kill Bill vol. 1 y 2.

KILL BILL fue rodada como una sola película, aunque debido a su duración, la productora hizo que Tarantino tuviera que dividirla en dos partes, de ahí vol. 1 y vol. 2. La principal característica con respecto al resto de su obra anterior, es que Kill Bill supone un cambio en el tono de la fotografía e iluminación, no se parece en nada a las tres anteriores y creo que es la película donde más se hace referencia a él mismo, a sus gustos, su esencia, y le añade muchísima meta-ficción, más incluso que en las posteriores. Cada escena está rodada de una manera diferente, con un estilo diferente y haciendo referencia a un género diferente, de tal modo que podríamos estar horas y horas hablando de los géneros que hay en ambas películas. Es genial encontrarte en una misma película escenas en color, en blanco y negro, escenas en anime, y que para nada te haga sentir que estás en una película distinta, todo está en su justa medida dentro de las exageraciones de Tarantino. Además, comentar el espectacular uso de la música y del sonido en esta película, sobre todo utilizando la técnica del Mickey-Mousing. Es una película muy entretenida, una de las películas más accesibles para quien no haya visto nunca una película de Tarantino y un ejemplo perfecto de cómo es su cine. Si me tengo que quedar con una escena de cada una de las partes, voy a elegir la escena final de la pelea con katanas en la nieve en la primera parte, y la escena de la conversación sobre Superman en la segunda. Sin duda un peliculón del que podéis leer más pulsando aquí para el vol. 1 y aquí para el vol. 2.

Entre esta y su siguiente película pasan dos años en los que colabora dirigiendo junto a Frank Miller y Robert Rodriguez en Sin city, una película muy recomendable y de lo mejor de Robert Rodriguez de la que podéis informaros aquí. Además, ese mismo año dirige y escribe un par de capítulos de la serie CSI: Crime Scene Investigation, que la verdad es que no he visto, y también produce una película de su compañero Eli Roth, Hostel.

Fue en el año 2007 cuando él junto a Robert Rodriguez, se les ocurre la idea de hacer cada uno un mediometraje y juntarlos para crear una película doble como las que se veían en las salas de cine de Estados Unidos por la noche. Al final cada uno dirigió una película propia con más duración y fueron estrenadas simultáneamente con el título de Grindhouse, aunque el título de la película de Rodriguez es Planet terror, una gamberrada de zombies con gore y mucha acción, y el título de la película de Tarantino es Death Proof. Además de estas películas, algunos directores como Rob Zombie se animaron a crear unos trailers falsos que se colocaron entre película y película, uno de esos trailers fue Machete que se acabaría convirtiendo en una película de Rodriguez.

Sobre DEATH PROOF, cabe destacar que no es una gamberrada como lo fue su hermana Planet terror, la película de Tarantino sigue conteniendo su estilo en cada plano, el guión aunque es algo básico, sigue siendo fuerte en los diálogos entre personajes y es un homenaje a todas las Road Movies de los 70, donde las protagonistas siguen siendo mujeres y en este caso se muestra que es una película feminista más que en Kill Bill, donde Uma Thurman toma un rol muy masculino. Entre otras detalles técnicos como la utilización del negativo dañado en la primera mitad, y el buen uso del sonido, hay que destacar la manera en la que Tarantino parte la película en dos y te cuenta dos historias muy parecidas pero donde el grupo de protagonistas cambia. A todo esto hay que señalar el fantástico elenco de actrices y sobre todo el genial Kurt Russell que Tarantino vuelve a recuperar tras una época de decadencia para el actor. Es una película, que ha pesar de parecer inferior, sigue siendo Tarantino en estado puro, y se ve que se lo ha pasado muy bien dirigiéndola.
Si tuviese que quedarme con una escena, elegiría la escena del striptease en el bar, creo que es unos de los bailes más sensuales de la historia del cine. Por supuesto, si queréis saber más sobre ella, ya sabéis lo que tenéis que hacer... aquí.

Con esta película se acaba una etapa y comienza otra completamente diferente. A partir del año 2009, Tarantino decide comenzar a rodar una serie de películas históricas o ambientadas en la américa antigua, es entonces cuando dirige Malditos bastardos.

MALDITOS BASTARDOS no se puede tomar como una película histórica en su totalidad, pues lo que hace es juntar referencias históricas reales y elementos ficticios, lo que sale de esa coctelera es una película bélica muy singular. La película muestra dos tramas que suceden simultáneamente, aunque nunca se llegan a cruzar, y eso que hay un momento en el que comparten el mismo espacio. Crea con un guión bastante bueno una historia de venganza de una chica judía a un general nazi, con la historia violenta y desenfrenada de un grupo de judíos que matan nazis. Todo esto con una imagen y una estética impecable, además de la increíble banda sonora que acompaña a la película. Juega con lo real y lo ficticio como solo él podría hacerlo gracias a la magia del cine, por otro lado, crea un montaje de cine dentro del cine que deja boquiabierto a cualquiera que vea la película. Y hablando de metacine, debo recomendaros que veáis el cortometraje rodado por Eli Roth llamado "El orgullo de la Nación" que es la película que los nazis ven en el cine, y merece mucho la pena pues como cortometraje bélico es bastante bueno.
Por último, no me puedo olvidar de comentar el brillante elenco de personajes, donde se encuentra un Brad Pitt como hace tiempo que no lo veíamos, una genial Mélanie Laurent y Daniel  Brühl, y por supuesto el magnifico Christoph Waltz cuya actuación es lo mejor que se ha visto en una película en años. De todas sus escenas me quedo sin duda con la escena inicial, donde Tarantino demuestra todo su poderío y su ingenio con el guión y la dirección, una de sus mejores escenas jamás rodadas.

Ya nos vamos acercando a su última obra, pero aún queda una película más, se trata de DJANGO DESENCADENADO (2012). Con esta película, Tarantino hace su primer Western "oficial", y lo pongo entre comillas porque no es un western como si lo era Sin Piedad de Eastwood o Valor de Ley de los hermanos Cohen. Aquí Tarantino junta varios temas, de nuevo vuelve a utilizar un estilo cinematográfico y junta al igual que la anterior, la realidad con la ficción. Es una película entretenida, una película que a mi parecer tiene un buen guión, aunque en el último tercio pierde fuerza cuando alarga el final, esto se nota sobre todo en la primera visualización. Los actores vuelven ha tener una enorme importancia, de hecho DiCaprio está asombroso, y Christoph Waltz vuelve a conquistarnos. Tarantino con esta película no baja el nivel con respecto a la anterior, pero tampoco lo sube, quedándose a la par que Malditos bastardos. Me quedo con el espectacular monólogo de DiCaprio, aunque me podría quedar con todas sus escenas.




Cuando sí causó polémica fue con la que dentro de pocos días será la penúltima película, su octavo film, LOS ODIOSOS OCHO. Quizás fue porque la gente no sabía que era lo que iba a ver en el cine o porque se habían imaginado que sería otra cosa, pero durante la proyección un par de parejas salieron de la sala a mitad de película, pero ahí me tenéis a mí, deseando de que Netflix estrene en España la versión extendida del film. No sabéis cuanto adoro esta película, una película que se va cociendo a fuego lento, con unos diálogos impresionantes en boca de unos personajes atrapados con su enemigo en medio de una ventisca, hasta que de repente todo comienza a coger ritmo y se vuelve un desenfreno de sangre, muerte y dolor. Una película rodada con una cámara Ultra Panavisión 70, es decir, tal y como se rodaban las películas del oeste antes, permitiendo ver todo el paisaje. Tarantino sabe darle uso tanto en el exterior como en el interior de la cabaña. Una película que vuelve a contar con un gran elenco, una película que exige paciencia, pero que si sabes esperar conseguirás tu recompensa. Es una película que recuerda mucho a su debut, a Reservoir Dogs, por lo que si te gustó una te gustará la otra. Si tuviera que quedarme con una escena sería con la de Daisy cantando la canción que activará la locura en aquella cabaña en medio de la nieve. Os recomiendo que visitéis la entrada en la que hablé largo y tendido sobre ella aquí.

Y esto es todo por ahora, ya solo queda esperar su próxima película que se estrenará en España el día 15 de Agosto. En cuanto la vea y tome mis reflexiones haré una reseña sobre ella. Antes de despedir el especial, voy a hacer un top 3 de las que creo que son las películas imprescindibles de Quentin Tarantino.

En 3º Lugar: Los odiosos ocho (2015)
En 2º Lugar: Kill Bill (2004)
Y finalmente en 1º posición:  Pulp Fiction (1994)

Espero que os haya gustado el especial, por favor compartir la entrada a vuestros amigos si os ha gustado, seguidme en el blog para no perderos ninguna reseña, y por supuesto, dejadme en la caja de comentarios vuestras opiniones sobre Tarantino, cuál es vuestro top 3 o vuestras escenas favoritas de la filmografía del director. Un saludo y hasta la próxima reseña.

Reseña Aladdín (2019) Sin Spoilers: Disney vuelve a frotar la lampara, por suerte aparece Guy Ritchie.

Hola a todos, hoy voy a hacer una reseña de una de las últimas películas que ha producido Disney, en este caso se trata de otro Live action de su larga lista de clásicos de animación, "Aladdín (2019)". Con este film, Disney tiene el desafió de representar con personas reales, una de las películas de animación más queridas de todos sus clásicos. Por suerte, el estudio del ratón cuenta con un director de reconocido prestigio y más que decentes películas como es Guy Ritchie (Lock y Stock (1998),  Snatch. Cerdos y diamantes (2000) o la última versión del Rey Arturo (2017)). Pero... ¿De verdad merece la pena?, ¿Logra hacer una película que iguale o supere al clásico animado?.

En primer lugar hablemos del director, pues Guy Ritchie se caracteriza entre otras cosas, por introducir en sus películas un montaje con el que logra darle ritmo y agilizar la acción y la trama. Esa capacidad de contar una historia llevando varias tramas a la vez o el uso de planos de muy poca duración y una aventura trepidante en muchos sentidos, está en la película, se nota que es una película de Guy Ritchie y él ha mantenido en todo momento su propio estilo, incluso en los números musicales. En este aspecto la verdad es que no decepciona como si pasó con Dumbo (2019), el otro Live action de este año, dirigido por Tim Burton y que podría haberlo dirigido cualquier otra persona pues apenas se notaba el estilo y las características que representan a Burton, e incluso no se ve una buena dirección.

En cuanto a los aspectos técnicos, debo decir que es una película impecable, aunque también es normal viniendo de la gran factoría Disney, pero si se compara con la ya citada Dumbo, se nota tremendamente la diferencia. Todo es luz y color, visualmente la película está llena de colores, impresos en la calle, en los personajes y sus vestimentas y por supuesto en los efectos especiales, en los que Disney no ha reparado en gastos. Hay efectos especiales a tutiplén incluso más que en la película de animación, estos no quedan nada mal y están bien utilizados. El vestuario, por otro lado, es también uno de sus puntos fuertes, siguen dando color a la película, se relacionan con los espectaculares decorados interiores y dan en todo momento la impresión de estar viendo una película bollywood, pero a lo grande. La película logra trasladarnos a Arabia y envolvernos completamente en ese ambiente, algo que pocas veces ocurre. Si hablamos del montaje, Ritchie tiene el control absoluto y hace una película muy dinámica y divertida en la que estas inmerso en todo momento durante las dos horas que dura. Los números musicales no llegan a cortar la trama ni bajan el ritmo de la película, pues siguen la misma estética y le da un enfoque algo diferente a los que ya estamos acostumbrados de la película de animación, todo esto acompañado de efectos especiales, colores por todos lados y una excelente utilización de la cámara. Se le añade un par de canciones además de las que ya conocemos, destacando el tema cantado por Naomi Scott "No callaré", que lejos de parecer innecesaria o metida con calzador por el estudio para empoderar a la princesa, sigue mostrando la maestría de Ritchie para coger la idea propuesta y hacerla a su manera, creando en toda la película un equilibrio perfecto entre estudio y director que ya quisiéramos ver en muchos otros casos.

En esta nueva versión, podemos encontrar un elenco de actores que consiguen mantener nuestro interés por el desarrollo de la trama, logrando una actuación bastante decente. En este caso es ella (Naomi Scott) quien nos centra la mirada, poniendo al protagonista (Mena Massoud) en una situación inferior. Por otro lado, el villano interpretado por Marwan Kenzari lo ha hecho bastante notable aunque no se parezca a la imagen que teníamos del malvado Jafar. Y por supuesto no podemos no hablar de Will Smith, que ha pesar de la primera impresión con los trailers y la cantidad de memes que salieron al respecto, yo lo he visto muy cómodo en su papel y desde luego se nota que se lo ha pasado en grande interpretando al genio de la lámpara, como ya le tocó hacer en su momento a nuestro estimado Robin Williams.

Como ya he mencionado anteriormente, hacer un remake del clásico de animación tiene ventajas y desventajas, hay mejoras y también hay cosas que salen peor o que no nos gustan tanto. Lo que ocurre es que al final se las acaba comparando y se busca similitudes y diferencias entre ambas. La película es muy fiel a la original, los cambios son mínimos y ayudan a agilizar y dar credibilidad a la trama o a los personajes. Por ejemplo, hay alguna trama nueva en la que aparece un conflicto entre reinos que no estaba en la original, y sin llegar a tener toda la importancia, genera más tensión para el desenlace. En este aspecto el guión es bueno, pero se nota muchísimo la presencia Disney a la hora de dulcificar la historia o añadirle cambios a favor de dar visibilidad a temas polémicos de la actualidad. Esto ha sido y está siendo muy polémico sobretodo a día de hoy cuando se ha filtrado la información del casting del próximo Live action de La sirenita, donde van a aparecer actores negros, y ha creado polémica en las redes por el black-whashing.

Como conclusión debo decir que técnicamente es una película muy bien cuidada en todos los detalles como vestuario, iluminación, efectos especiales, sonido, planos y montaje. Tiene más aspectos positivos que negativos. Obviamente si el clásico Disney no te gusta o no es santo de tu devoción, la historia es la que es y hay que recordar que se trata de Disney y el director trabaja lo mejor que puede con los temas que le exige el estudio. Por lo que si no eres muy seguidor de este tipo de cine, te puede entretener pues es muy entretenida y divertida, pero no te va a hacer cambiar de opinión. Por otro lado, si eres seguidor de Guy Ritchie, recomiendo su visionado, aunque no te esperes una obra personal. Personalmente, creo que mejora en muchos aspectos a la original (ritmo, guión, espectacularidad) y  me parece de lo mejor que ha hecho Disney en Live action. A pesar del bajón que me ha supuesto Dumbo tras La bella y la Bestia o El libro de la selva, seguiré atento a sus siguientes películas, sobretodo teniendo tan cerca el estreno de El rey León y la próxima Mulán.

Si has visto la película, puedes déjame un mensaje aquí abajo y compartir la reseña con tus amigos, me gusta leer vuestras opiniones. También me gustaría  saber cuál de estos Live action os ha gustado más o cuál esperáis con más ganas. No te olvides de seguir el blog para no perderte ninguna recomendación. Un saludo y hasta la próxima.